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Otra animación

Esta es otra de las animaciones del curso.

Taller de cine de animación_Día 25

L@s alumn@s están editandos sus vídeos y los iran subiendo en los próximos días.
Podéis convertir los vídeos a flv con el ” Free video converter”  o subirlos a youtube / vimeo en alta calidad
Y después enlazarlo a este blog.
Mientras tanto en el enlace de abajo puedes ver un resumen en baja del trabajo realizado.
Créditos:
Curso dirigido por Rocío Huertas.
Los perticipantes son:
Leyla Hachimi Pérez

Contacto:

Animación tradicional-Rocío Huertas

rociodelashuertas@yahoo.es

Guión cinematográfico - Rafael Cobos

mirayuela@hotmail.com

Animación 3D - juanjo Peralta

jjpsiquiatrico@gmail.com

Edición digital  Mª Luz Domínguez

mariluxury@hotmail.com

El empleo

Este corto ha ganado ya varios premios, entre ellos el del Festival Internacional de Animación de Annecy. Uno de sus creadores, el argentino Patricio Plaza, habla de él en su blog.

Stop Motion Lámparas

Lámparas

Taller de cine de animación_Día 24_DIBUJO

 

Rafael Cobos con los alumnos hablando de guión cinematográfico.

Rocío Huertas explicando las distintas maneras de animar dibujos.

Bibliografía guión:

“El viaje del escritor” Christopher Vogler

“El guión” Mc Kee

“El manual del guión” Syd Field

“Cómo convertir un buen guión en un guión excelente” Linda Seger

 

DIBUJO

 

History of the main complain- WILLIAM kENTRINGE
Ver vídeo Kentringe
BLU_http://blublu.org/
Ver vídeo BLU
Kentridge, William
Johannesburgo, 1955.Artista surafricano.En 1976 se doctora en Política y Estudios Aricanos por la Universidad de Witwatersrand, Johannesburgo. Entre ese año y 1978, estudia arte en la Johannesburg Art Foundation, especializándose en la modalidad de grabado. Entre 1981 y 1982 realiza un curso de mimo y teatro en L’École Jacques LeCoq de París. De talante esencialmente polifacético, a principios de los setenta se involucra activamente en el cine y el teatro, compaginando labores de guionista, actor, director y diseñador. En 1989 realiza a partir de sus dibujos el filme de animación Johannesburg, 2nd Greatest City After Paris, premiado en el Weekly Mail Film Festival de Johannesburgo y exhibido después en el Institute of Contemporary Art. ICA de Londres. A esta película le siguen otras como Monument (1990), Mine (1991), Sobriety, Obesity and Growing Old (1991), Felix in Exile (1994), History of the Main Complaint (1996), WEIGHING and WANTING (1998) o Stereoscope( 1999). En 1992 colabora con la Handspring Puppet Company en la puesta en escena de Woyzeck on the Highveld, la obra inacabada de Georg Büchner, basada en una combinación de marionetas, animación y performances en vivo. El éxito cosechado por el montaje prolonga la colaboración entre el artista y la compañía y realizan conjuntamente Faustus in Africa! (1995), Ubu and the Truth Commission (1997), así como la ópera multimedia Il Ritorno d’Ulisse (1998). Sus dibujos, elaborados casi siempre al carboncillo, poseen un trazo vigoroso y una sensibilidad expresionista. Entre sus individuales puede mencionarse la que en 1998 tuvo lugar en el San Diego Museum of Art y en el Palais des Beaux-Arts de Bruselas, así como en 1999 las del Museu d’Arte Contemporani de Barcelona. MACBA y la de la Serpentine Gallery de Londres. Ha participado en la 45ª Biennale di Venezia (1993); en la primera Bienal de Johannesburgo (1995), en la Biennale of Sydney (1996) y en la Documenta de Kassel (1997 y 2002). En 1999 fue galardonado con el Carnegie Prize.
Web: www.masdearte.com

Taller de cine de animación_Día 23_CUT OUT_RECORTABLES

 

Hoy, 23 de junio del 2010, toca guión cinematográfico. Rafael Cobos explicará durante las siguientes 3 sesiones los puntos claves del guión cinematográfico a través de ejercicios. La creación de pequeñas historias dará forma a la película colectiva que se realizará durante el taller y se editará colectivamente en la última sesión.

Ahora mismo, a las 17:03 realiza un ejercicio sobre el tema y el punto de vista. Los alumnos participan activamente entre risas.

 

La técnica de animación tradicional de la segunda parte del día de hoy es:

RECORTABLES

 

Ver vídeo Taller cines del sur 2009

Ver vídeo LOS DESHEREDADOS

Les Astronautes_ cHISH mARKER / wALERIAN BOROWCZYK
Ver vídeo LES ASTRONAUTES

Chris Marker (nacido Christian François Bouche-Villeneuve, Neuilly-sur-Seine, Francia, 29 de julio de 1921) es un escritor, fotógrafo y director de cine francés, a quien se atribuye la invención del ensayo fílmico.
Comenzó su trabajo como parte del grupo de la rive gauche francesa, paralelo pero distinto de la nouvelle vague, con la que compartirían temas y trabajos más tarde. Su obra —casi invariablemente documental, con la única excepción de la pieza de ciencia ficción La Jetée— ha resultado influyente, pero casi desconocida para el público masivo. La Jetée, Sans Soleil y sus ensayos fílmicos sobre Akira Kurosawa, AK, y Andrei Tarkovsky, Une journée d’Andrei Arsenevitch, son los más accesibles y fáciles de conseguir.
Además del relativo hermetismo de sus trabajos, el desconocimiento acerca de la figura de Marker ha sido alimentado por él mismo; se ha negado casi sistemáticamente a conceder entrevistas, y se divierte ofreciendo versiones contradictorias acerca de los eventos de su vida y juventud. Como anécdota, cada vez que alguien le solicita una fotografía suya para ilustrar un reportaje, un libro o una entrevista, Marker envía, si es que envía, una foto de su gato preferido.
Comenzó a trabajar en cine a comienzos de los años ‘50; su primer trabajo conservado es Olympia 52, un documental sobre los Juegos Olímpicos de Oslo 1952 que dirigió, guionó y rodó en 16 mm él mismo, con producción de Anatole Dauman. No sería hasta un año más tarde en que produciría su primer obra verdaderamente influyente, el cortometraje Les status meurent aussi, codirigido con Alain Resnais —quien, junto con Marker y Agnès Varda formaba el núcleo de la rive gauche. Les statues… fue una obra pionera del anticolonialismo, explorando a través de una intensa narración en off el destino de las obras de arte africanas asimiladas al circuito de la explotación comercial en Europa, sin que las acompañase el esfuerzo por reproducir y conservar el entorno cultural que las produjera. Introducidas a la fuerza en un sistema cultural en el que la relación con el objeto artístico es la de contemplación desinteresada, los objetos de arte de África atraviesan una transformación que las separa de su contexto original, en el que formaban parte de las prácticas sociales y rituales de los nativos; a su vez, su transformación transforma la vida de los africanos, que producen sus objetos al ritmo y gusto que les impone su comercialización por los colonizadores blancos. Resnais y Marker combinaron en la obra los temas culturales de la crítica al etnocentrismo con la marcada politización que caracterizaría al cine de este último en adelante. Acusaba la influencia del museo imaginario teorizado por André Malraux; por medio de la idea de que el sistema colonial se autolegitima políticamente, al mantener un punto de vista anti-histórico sobre las tradiciones y el patrimonio de los pueblos de los que se adjudica la administración, la película unía en un mismo movimiento la denuncia del imperialismo cultural y la crítica de las disfunciones económicas derivadas de ese tipo de régimen. Fue por ello censurada en Francia durante bastante tiempo.
Dos años más tarde, volvería a colaborar con Resnais en una de las obras maestras de este último, asistiéndole en la dirección de Noche y niebla, sobre guión de Jean Cayrol, quien había estado prisionero en un campo de concentración durante la guerra. El documental, de estética mesurada, no se concentra en el horror visceral de la guerra y el exterminio, como haría luego Shoah, sino que explora, mediante el montaje de material de archivo, los medios que el régimen desarrolló para hacer invisible esta experiencia; la niebla del título alude tanto al sigilo con que tenían lugar las deportaciones a los campos como al voluntario velo que el pueblo alemán echó sobre la degradación a la que sus vecinos y compañeros fueron sometidos.
Tras un hiato de unos años, Marker regresó a la dirección plasmando sus experiencias políticas y etnográficas en los países revolucionarios en sendos documentales sobre China y la Unión Soviética, Dimanche à Pekin (1956) y Lettre de Siberie (1957). Con estos trabajos desarrolla la que será la impronta de su obra posterior: el comentario en off, el montaje dialéctico al modo de Sergei Eisenstein —una escena de Lettre de Siberie honra las teorías soviéticas sobre el montaje reproducido tres veces consecutivas la misma acción, acompañándola una vez de comentario pro-soviético, una segunda de uno no comprometido, y finalmente de uno santisoviético—, la yuxtaposición de pasado y presente, la documentación fílmica de las contradicciones —entre innovación y tradición, o entre esperanza y represión— en la línea de su filiación política; la producción de Dauman le daría gran libertad para desarrollar un lenguaje fílmico propio. Proseguiría su trabajo en esta línea en Description d’un combat  (1960), sobre el conflicto israelí, y ¡Cuba sí! (1961), una mirada amable pero preocupada sobre la Cuba inmediatamente posterior a la revolución. Durante esos años, escribió además guiones para un documental sobre Django Reinhardt, el premiado documental L Amerique insolite de su compatriota François Reichenbach y otros cortometrajes.
Información tomada del blog Cortoscopía

Taller de cine de animación_Día 22_3D

 

La sesión de hoy, de la mano de Juan José Peralta Guerrero ha sido sobre animación 3D. Hemos creado figuras elementales, reciclaje de objetos de librería en 3D Studio Max, con el propósito de tener renderizado el material para incluirlo en la edición final. El ejercicio ha consistido en realizar figuras sencillas, animarlas y renderizarlas en alfa para integrarlas con el resto de las técnicas. ¡Ah! también hemos conocido las partículas.

En la segunda parte con Mª Luz, hemos integrado el resultado con la animación que realizamos ayer en stop-motion y hemos creado un pequeño vídeo cada uno que nos sirve de práctica para el viernes, el gran día. He de decir que el resultado ha sido muy interesante. ¡Esta película promete!

A continuación información recogida de la red sobre CHRIS LANDRETH.

 

 

ANIMACIÓN 3D
ryan_CHRIS LANDRETH
Ver vídeo RYAN

Un señor pordiosero. Uno de los pioneros de la animación canadiense. Nominado a un Oscar. Mendigo pobre. Un artista incapaz de crear. Dios contemplando el mundo. Un ángel caído. Arrogante. Tímido. Destrozado. No acabado.
Ryan, dirigida por Chris Landreth, oscila entre la animación y el documental, y se escapa a una fácil definición. Se basa en la vida de Ryan Larkin, un animador canadiense que hace treinta años, en el National Film Board de Canadá, produjo algunos de las películas de animación más influyentes de su tiempo. Hoy en día, Ryan vive de la beneficiencia y pide monedas por las calles del centro de Montreal. ¿Cómo ha podido seguir esta trayectoria un genio?
En Ryan escuchamos la voz de Ryan Larkin y de personas que lo han conocido, pero estas voces nos hablan a través de destrozados personajes incorpóreos generados en 3D, extraños y retorcidos… personas cuyo aspecto resulta extravagante, divertido o inquietante. Estas apariencias reflejan el mundo personal de “realismo psicológico” de Chris Landreth. Un mundo encapsulado en las palabras de Anais Nin: “No vemos las cosas tal como son. Las vemos tal como somos.”

Notas técnicas de Chris Landreth
Ryan se concibió, desarrolló y animó en el mundo de la imagen en 3D generada por ordenador (CGI). Aunque los personajes y escenarios detallan realismo, todo en la película se ha modelado con herramientas digitales- no hay ninguna secuencia de acción real. Todos los personajes de Ryan está animados a mano (no se ha usado captura de movimiento en esta película).
Se utilizaron varias herramientas de software para crear interesantes ‘efectos,’ como humo, niebla, deformaciones, ropa y pelo dinámico en los personajes. La producción de Ryan dependió mucho del software de animación Maya (V 4.0) de Alias para el modelado, rigging, animación, iluminación y rendering del mundo en 3D generado para la película. Además, se usó Discreet Combustion V2.1 para todo el compositing y efectos en 2D, Adobe Photoshop V7.0 para pintura y texturas, y Adobe Premiere para el desarrollo creativo y edición.
Chris Landreth estudió animación como segunda carrera tras un periodo ejerciendo de ingeniero. Realizó una Maestría en Ciencias en Mecánica Aplicada y Teórica en la Universidad de Illinois en 1986. Durante tres años realizó trabajos de investigación experimental de Mecánica Fluida en la Universidad de Illinois antes de dar el salto a la animación por ordenador. En 1994 Landreth se unió a Alias|Wavefront, donde trabajará definiendo, probando y abusando del software de animación, en la empresa, antes de que éste saliese a la venta. Además de entrenar al software, este trabajo se tradujo en la producción de varios cortometrajes animados, que incluyen The End (1995) y Bingo (1998).
En su cortometraje surrealista The End, el animador se da cuenta de que él es el personaje de su propio trabajo mientras intenta pensar en un buen final para éste. (No será la primera vez que Landreth desafía la ilusión que trata de crear.) Bingo es una adaptación animada por ordenador de cinco minutos de una representación teatral en vivo llamada Disregard This Play, de la compañía de teatro con sede en Chicago The Neo-Futurists. La grabación del sonido de esta obra del absurdo se usó en Bingo, que después incorporó extravagantes imágenes visuales y una caracterización exagerada, que sirve de apoyo a la narración de la historia. The End y Bingo han recibido un amplio reconocimiento internacional y numerosos premios, incluyendo una nominación al Oscar por The End en 1996 al Mejor Cortometraje Animado y al premio Genie 1999 por Bingo.
En su nueva película, Ryan, Landreth se centra en la biografía del animador Ryan Larkin, mientras al mismo tiempo cuestiona nuestras nociones del documental y la animación. Landreth es posiblemente uno de los cineastas más imaginativos que trabaja actualmente en la infografía. Nos regala una imaginería interpretativa que van más allá del “foto-realismo” en un area inédita donde la apariencia visual refleja el “dolor, locura, miedo, piedad, vergüenza y creatividad” evolutiva de los personajes. Un area que él denomina “psico-realismo.”
Texto originalmente publicado en el catálogo de ArtFutura 2004.
www.nfb.ca/ryan

Taller de cine de animación_Día 21_STOP MOTION

  

Ayer, en la primera sesión de la mano de Rocío Huertas y Mª Luz Domínguez realizamos un ejercicio de STOP MOTION que será publicado el viernes en el montaje final en este mismo blog. A medida que realizamos el ejercicio hablamos de la iluminación,la composición de los planos y el lenguaje audiovisual básico. Formatos, tamaños, capturas, edición y postproducción de las imágenes. El magnífico resultado se editará en este blog el viernes 25 con el resto de las técnicas. ¡ No te la pierdas !

A continuación información y vídeos seleccionados de distantas webs de la red sobre

STOP MOTION.

  


Jan Svankmayer
posibilidades de diálogo - parte 1
posibilidades de diálogo - parte 2
posibilidades de diálogo - parte 3
Jan Švankmajer (Praga, 4 de septiembre de 1934) es un artista gráfico, escultor, diseñador y poeta surrealista checo, célebre por sus películas de animación, que han influido en importantes cineastas como Tim Burton, Terry Gilliam, los Hermanos Quay y muchos otros.
En sus películas, Svankmajer trabaja con muñecos, utilizando la técnica de stop-motion. No obstante, ha empleado también actores reales, máquinas, figuras de arcilla, muñecas antiguas, esqueletos de animales y otras muchas cosas. Consigue crear un clima de pesadilla, lo que no impide que sus filmes sean, al menos en cierto modo, divertidos. Se ha inspirado en las obras de autores literarios como Edgar Allan Poe, Lewis Carroll y la leyenda germánica de Doctor Faustus[1] (que ha servido de inspiración a muchos autores también).
Estuvo casado con Eva Švankmajerová, pintora surrealista, ceramista y escritora mundialmente conocida, que falleció en octubre de 2005. Eva colaboró en varias de las películas de Švankmajer, Faust, Otesánek y Alice.
Robin Rhode_
Ver vídeo Rhode 1
Ver vídeo Rhode 2
Nacido en Cape Town en 1976, Rhode pertenece a una generación de creadores sudafricanos posteriores al apartheid que están situando el nombre de Johannesburgo en un lugar destacado de la esferas plásticas en la actualiad. Son precisamente las calles de esta ciudad las que motivaron al artista en sus comienzos y, aunque en 2002 se trasladó a Berlín, continúa viendo en ellas su principal fuente de inspiración.
Esta es la primera ocasión en la que se podrá contemplar en un museo europeo una selección tan amplia de sus obras, realizadas en los más variados formatos, desde los más tradicionales a los basados en técnicas digitales, si bien son sus originales dibujos y animaciones los que mayor fama le han reportado hasta la fecha. Este tipo de trabajos, basados en la realización de diseños que combina con performances que quedan a su vez registradas en vídeos y fotografías, marcan la principal línea de investigación de Rhode. En este sentido, en 1997 comenzó a introducir objetos pintados con tiza o carbón en el suelo y en las paredes y a establecer con ellos una relación de interactividad que le llevó a dibujar velas que podían ser apagadas o tocadiscos en los que pinchar música sobre la calzada. Así, la calle se fue convirtiendo en el principal escenario en el que desarrollar su trabajo y los referentes urbanos eran también los principales elementos de su obra, ya fueran reales o en forma de croquis. Junto a los espacios, las emociones y deseos completan sus piezas y algunas como Score, por ejemplo, nos hablan del deseo de tocar en una banda y de esa idea surgen una trompeta, un bajo y una batería pintados sobre la pared, mientras que la música suena a través de una reproductor de CD y Rhode toca cada uno de los instrumentos cuando es su sonido el que se escucha. Esta simbiosis entre realidad y ficción también se da en la escultura, disciplina en la que este creador lleva cerca de dos años experimentando y en la que encontramos composiciones tan ingeniosas como efímeras. Buena prueba de ello la vemos también en esta muestra, con la obra Soap and water, en la que una bicicleta verde hecha con jabón aparece junto a un cubo de bronce lleno de agua; cuando la bicicleta es lavada se disuelve, estableciéndose una vez más ese juego entre realidades e ilusiones que, eso sí, siempre reclaman para existir de manera completa un pequeño acto de fe por parte del espectador. A cambio, éste pocas veces queda defraudado. Artículo de la web: www.masdearte.com

Taller de cine de animación

 

Hoy a empezado el taller de Cine de Animación, dirigido por Rocío Huertas. Este taller se enmarca en la programación del Centro de experimentación y producción en contenidos digitales, del Espacio-Red de Prácticas y Culturas Digitales de la UNIA. El Centro está vinculado a la Sede Tecnológica de Málaga.